De toneelstukken die in de film voorkomen zijn "Bent" van Martin Sherman en "The Inheritance" van Matthew López, die beide gaan over het leven van homoseksuele mannen.
Een leuke korte film waarin lachen, vriendschap, verdriet en vreugde centraal staat.
Na "Chained for Life" is dit de tweede samenwerking tussen Aaron Schimberg en Adam Pearson. Voor Pearson was dit zijn derde rol in een speelfilm. Regisseur Aaron Schimberg werd geboren met een gespleten gehemelte, en heeft openlijk gesproken over hoe zijn ervaring met gezichtsafwijkingen en meerdere reconstructieve operaties de thema's van de film hebben beïnvloed. In een interview met Le Cinéma Club in 2024 legde hij uit dat zijn persoonlijke ervaringen het verhaal vormgaven, en dat hij geïnteresseerd was in een authentieke weergave van gezichtsverminking op het scherm. De film werd in slechts 22 dagen opgenomen tijdens de lockdown vanwege de COVID-19-pandemie.
Sebastian Stan bracht in 2024 de films "A Different Man" en "The Apprentice" uit. Hij won de Oscar voor Beste Acteur op het Internationale Filmfestival van Berlijn voor "A Different Man", ontving een Golden Globe-nominatie voor "The Apprentice" en won de Golden Globe voor Beste Acteur in een Musical of Komedie voor "A Different Man." Bij de Academy Awards werd hij genomineerd voor zijn rol als Donald Trump in "The Apprentice." Adrien Brody won dat jaar de Oscar voor Beste Acteur voor "The Brutalist." Charlie Korsmo stopte in 1998 met acteren en behaalde later een graad in natuurkunde aan MIT en een rechtendiploma aan Yale. In 2024 was hij hoogleraar rechten aan de Case Western Reserve University. "A Different Man" is zijn tweede acteerrol sinds zijn terugkeer naar de filmwereld met "Chained for Life." Renate Reinsve en Sebastian Stan zouden later samenwerken aan de film "Fjord."
De film bevat een aantal leuke verwijzingen. De scène in de bar waar Edward Oswald en Ingrid observeert, werd gefilmd in dezelfde bar als in "Past Lives." Deze film werd ook geproduceerd door A24 en Killer Films. Het boek dat Edward in de gevangenis las, was "The Bluest Eye" van de Amerikaanse auteur Toni Morrison. "The Bluest Eye" is de debuutroman van Toni Morrison uit 1970. Het verhaal speelt zich af in Ohio in de jaren '40 en volgt Pecola Breedlove. Het donkere meisje gelooft dat ze geliefd en geaccepteerd zou worden als ze blauwe ogen had. De roman onderzoekt racisme, schoonheidsidealen, armoede, trauma en de psychologische schade die wordt veroorzaakt door geïnternaliseerde vooroordelen. Geschreven in een poëtische en emotionele stijl, werd het een van Morrison's meest besproken en controversiële werken, geprezen om zijn krachtige maatschappijkritiek en de weergave van gemarginaliseerde levens. In de film maakt Edward gebruik van een Olivetti Valentine-typemachine. Deze werd ontworpen door Ettore Sottsass en geïntroduceerd in 1969. De Valentine maakt deel uit van de permanente collecties van het Museum of Modern Art en het Smithsonian Design Museum. De echte moeder van Sebastian Stan maakt deel uit van Edward's foto in diens appartement.
De film weerspiegelt de unieke uitdagingen waar mannen en vrouwen voor staan. Vrouwen worden beoordeeld op hun uiterlijk en sexappeal, terwijl mannen meer worden beoordeeld op hun succes en charisma. Verwacht geen horror of lachwekkende momenten. Als donkere komedie en drama komt deze film meer tot z'n recht.
Een trage film met seksuele toespelingen zonder doel. De regisseur zal zich ongetwijfeld hebben laten inspireren door Hitchcock. Deze film zal voor een selectieve doelgroep zijn weggelegd. Het vereist in elk geval veel geduld van het publiek.
Een interessante documentaire over de gruwelijke moord van Jason Corbett. De man zal ongetwijfeld niet altijd de ideale partner zijn geweest, maar voor mij is er geen zichtbare aanleiding dat hij zich gewelddadig heeft opgesteld. De familie Martens hebben ongetwijfeld meer op hun geweten. Een voormalig FBI-agent als dader maakt het extra verdacht.
Na "A Rainy Day in New York" keren Timothée Chalamet en Elle Fanning samen terug in deze biografische film over de carrière van Bob Dylan. Benedict Cumberbatch werd gecast voor de rol van Pete Seeger, maar moest afhaken wegens planningsproblemen. Hij werd vervangen door Edward Norton.
De oorspronkelijke titel van deze film was "Going Electric." Regisseur James Mangold had tijdens de voorbereidingen van de film regelmatig contact met Bob Dylan. De zanger gaf zowel hem als Chalamet feedback. Timothée Chalamet leerde speciaal voor de film gitaar en mondharmonica spelen. De acteur bleef drie maanden volledig in zijn rol, en hield zich afzijdig van de meeste cast- en crewleden. Tevens stopte hij met het gebruik van zijn mobiele telefoon. In totaal zong hij 40 nummers in de film. Hij werkte met dezelfde zangcoaches die Austin Butler hadden voorbereid voor zijn rol in "Elvis." Samen met "Dune: Part Two" is Chalamet de eerste acteur die in hetzelfde jaar in meerdere Oscar-genomineerde films de hoofdrol vertolkt, sinds Brad Pitt in 2011 met "Moneyball" en "The Tree of Life." De acteur kreeg een boete van 73 dollar, omdat hij op een gehuurde "Lime"-fiets naar de première in Londen was gereden om de files te vermijden. Hij parkeerde de fiets echter midden op de rode loper. Monica Barbaro nam zang- en gitaarlessen ter voorbereiding op haar rol als Joan Baez. Edward Norton bespeelde de eigen Martin 12-snarige akoestische gitaar met het kenmerkende driehoekige klankgat van Seeger. Hij was daarnaast het eerste castlid die de moed opbracht om Joan Baez om advies te vragen. Hij was geïnteresseerd in hoe Pete Seeger was, en hoe bevriend ze met hem was. Vervolgens vertelde hij Monica Barbaro dat Baez bereid was met haar te praten. Een van de adviezen die Joan Baez aan Edward Norton gaf over Pete Seeger, was dat Seeger ondanks zijn linkse politieke opvattingen in zijn persoonlijke gedrag erg conservatief was en bijvoorbeeld in het openbaar geen andere vrouw dan zijn echtgenote zou omhelzen.
Scoot McNairy heeft slechts één woord dialoog in de film. In de film wordt de ziekte waaraan Woody Guthrie leed nooit expliciet genoemd. De echte Guthrie leed aan de ziekte van Huntington. Deze ongeneeslijke, erfelijke neurodegeneratieve aandoening had hij van zijn moeder geërfd. De aandoening openbaart zich meestal tussen de 30 en 50 jaar, en veroorzaakt progressieve dementie en verlies van spiercoördinatie. Door de specifieke aard van de genetische mutatie, manifesteert de aandoening zich vaak op jongere leeftijd bij de nakomelingen van de patiënt. Guthrie overleed in 1967 op 55-jarige leeftijd aan complicaties van de ziekte van Huntington, en gaf de ziekte helaas door aan twee van zijn dochters, die beiden op 41-jarige leeftijd overleden. Een ontmoeting tussen Bob Dylan, Pete Seeger en Woody Guthrie in het ziekenhuis heeft in werkelijkheid nooit plaatsgevonden. Het ziekenhuis waar Woody Guthrie verbleef, is het Greystone Park Psychiatric Hospital. Dit ziekenhuis werd in 1876 geopend als psychiatrisch ziekenhuis volgens het Kirkbride-plan. Tijdens zijn verblijf in Greystone schreef Woody Guthrie er liedjes over, waaronder "Wardy Forty." Dit is een verwijzing naar de afdeling waar hij was opgenomen. De hoofdrolspelers hebben alle zangpartijen in de film zelf ingezongen. Alle muzikale optredens werden live opgenomen tijdens de opnames. Dit is een tactiek die regisseur Mangold ook toepaste in "Walk the Line."
Het project stond oorspronkelijk ingepland voor begin 2020, maar de aangekondigde COVID-maatregelen gooiden roet in het eten. Mangold besloot om zich op "Indiana Jones and the Dial of Destiny" te concentreren, alvorens het project nieuw leven in te blazen. Het tijdperk speelde zich per slot van rekening af in kleine clubs met veel figuranten in historische kostuums. Biografische films nemen het vaak niet zo nauw met de historische feiten omwille van artistieke doeleinden, en daarom kunnen niet alle ogenschijnlijke fouten terecht als blunders worden beschouwd. Toen Bob het publiek op het Newport Festival schokte door elektrisch te gaan spelen, riep een toeschouwer in de film "Judas!" In werkelijkheid werd deze kreet gebruikt tijdens een elektrische set in de Free Trade Hall in Manchester, Engeland in 1966. De film leidt naar het Newport Folk Festival in 1965, waar Bob Dylan tot grote verontwaardiging van de bezoekers en de folk-gemeenschap overstapte op elektrische instrumenten. In het uitgebreide boek "Bob Dylan - The Concerts: The 60's" gaf Paul Murphy echter te kennen dat Dylan de dag ervoor al een volledig akoestische set had gespeeld op het festival. Dit inclusief een unieke akoestische versie van "Tombstone Blues" die gefilmd werd, maar waarvan slechts een kort fragment bewaard is gebleven. Ondanks een soundcheck in de middag, zette de band achter Dylan bij "Maggie's Farm" in op de verkeerde tel, waardoor Dylan haastig de band omwisselde aan het einde van het eerste nummer. Daarnaast was Seeger niet zo woedend als de film suggereert. Sterker nog...Seeger stond aan de kant van Dylan. Hij stuurde hem zelfs een briefkaart met de tekst: "Bob! Iemand vertelde me net dat jij ook denkt dat ik het niet leuk vond dat je in 1965 elektrisch ging spelen. Dat heb ik zo vaak ontkend. Ik was woedend over het vervormde geluid. Niemand kon de tekst van 'Maggie's Farm' verstaan, en rende naar de mensen die de geluidsinstallatie bedienden. 'Nee, zo willen ze het,' zeiden ze. Ik schreeuwde: 'Als ik een bijl had, zou ik de kabel doorsnijden', en ik denk dat dat is wat er is geciteerd. Mijn grote fout was dat ik de paar dwazen die joelden niet vanaf het podium heb aangesproken. Ik had moeten zeggen: 'Howlin' Wolf speelt elektrisch, waarom Bob niet?' Hoe dan ook, ga zo door. Groetjes, Pete." Hoewel de film nogal afwijzend is over Peter Paul & Mary, speelde de groep een belangrijke rol in de popularisering van Bob Dylan door "Blowin' in the Wind" op te nemen en het vervolgens te zingen tijdens de Mars op Washington in 1963.
Dylan en Baez hebben "It Ain't Me, Babe" niet samen gezongen op het Newport Folk Festival van 1965, zoals in de film te zien is. Dit gebeurde tijdens het festival van 1964. De twee kregen ruzie tijdens hun tournee door het Verenigd Koninkrijk in mei 1965, en spraken bijna tien jaar lang niet met elkaar. Het personage Sylvie Russo in de film, is gebaseerd op Dylan's toenmalige vriendin Suze Rotolo. Regisseur Mangold verzocht om Rotolo's echte naam niet in de film te gebruiken. Mangold verklaarde: "Wat Bob me vertelde, was dat dit geen publiek figuur was." In een interview met Elle Fanning voor Interview Magazine in 2024, vertelde James Mangold over het moment waarop hij voelde dat de film zou slagen: "Het was in het ziekenhuis, tijdens de eerste scène waarin hij zingt. Ik heb die avond gehuild. Ik was helemaal in de wolken en dacht: 'Dit gaat ons misschien wel lukken.'" Het ging om het hele proces. We hadden alle nummers voor de film van tevoren opgenomen en we hadden perfecte, geproduceerde versies van de liedjes. Dat was een soort vangnet, want we dachten: wat als hij keelpijn krijgt? Of wat als hij de vingerzettingen op de draaidag niet onder de knie heeft? Meestal gebruiken mensen bij dit soort films playback-opnames. Maar tijdens de voorbereiding had Timothée Chalamet een enorme focus ontwikkeld en ik zag dat hij elke dag sterker en sterker werd als muzikant. En toen we op de draaidag aankwamen, was hij vastbesloten om het echt te doen. De muziekproducer en de geluidstechnici zeiden allemaal: 'Wacht even, dit kunnen we niet opnemen. We hebben een prachtige track, en als je naar iemand anders overschakelt en dan weer teruggaat naar hem, speelt hij niet in hetzelfde tempo en ontstaan er allerlei problemen.' Maar Timmy en ik zeiden: 'Nee, we gaan het zo doen.' Ik geloofde in hem, hij geloofde in zichzelf. En hij ging zitten en zong dat nummer. Het is zo'n moment waarop je als acteur zo goed moet zijn in het spelen van je personage, dat de andere personages allemaal versteld staan en denken: 'Jeetje, wat is hij goed!', en geloofwaardig overkomen. Maar hij moet ook nog rauw en ongevormd genoeg zijn, zodat hij zichzelf de ruimte geeft om te groeien in de loop van de film."
Heel toepasselijk werd de teaser-trailer uitgebracht op 24 juli 2024. Die datum komt overeen met het beroemde elektrische concert op het Newport Folk Festival op 24 juli 1965. Ter promotie van de film kondigde Levi's een capsulecollectie aan. Dit is geïnspireerd op Bob Dylan, die in de periode die in de film wordt weergegeven vaak kleding van het merk droeg. Kostuumontwerpster Arianne Phillips werkte samen met de Ierse design director Paul O'Neill aan het onderzoek en de selectie van Levi's-stukken om de originele outfits van Dylan na te maken. Gitaar-fabrikant Gibson kondigde ook een collectie aan. Dit als inspiratie op de gitaren die in de film te zien zijn. Wanneer Dylan "Song To Woody" aan Guthrie laat horen en zegt dat het een lied is dat hij over hem schreef, is dat een ommekeer in de gebeurtenissen. Het lied heette oorspronkelijk "Song To Bonnie" met veel dezelfde tekst, terwijl de melodie zelf afkomstig is van Woody Guthrie's eigen nummer "1913 Massacre" uit 1945. De Stratocaster die Bob Dylan bespeelde op het Newport Folk Festival in 1965, zou zijn achtergebleven in een privéjet waarmee hij werd vervoerd. De gitaar kwam uiteindelijk in handen van de dochter van de piloot. In de documentaire "Bob Dylan Guitar/Beatles Autographs/Frank Zappa Collage" uit 2012 werd onderzocht of de gitaar daadwerkelijk de gitaar was die in Newport werd bespeeld. Hoewel de documentaire concludeerde dat het inderdaad de originele gitaar was, sprak Dylan zelf die conclusie tegen en zei hij dat hij nog steeds het origineel bezat. De gitaar die in het vliegtuig werd gevonden, werd in 2013 bij Christie's geveild voor $965.000.
De scène waarin bezoekers zich aanmelden voor het Newport Folk Festival, werd in werkelijkheid gefilmd in Cape May, New Jersey. Dit met de gele gevel met meerdere zuilen van de Congress Hall op de achtergrond. De arena die in de film als decor voor het Monterey Folk Festival wordt getoond, is vele malen groter dan de daadwerkelijke arena op het terrein van de Monterey County Fairgrounds. Dit is te zien in de documentaire "Monterey Pop." De motorfietsfabrikant Triumph promootte de film. Dit ondanks het feit dat het 500cc Triumph T100SR Tiger-model al sinds de jaren '60 niet meer geproduceerd wordt. Als een waarschijnlijke grap ten koste van Edward Norton, zien we Dylan in de eerste scène op een Norton naar het huis van Baez rijden. Het soundtrackalbum van "A Complete Unknown" werd in december 2024 digitaal uitgebracht, en in 2025 op vinyl en cd. De vinylversie bevat 16 nummers, terwijl de cd-versie 23 nummers telt.
Zelfs als je de nummers al tienduizend keer hebt gehoord, is een van de vele bijzondere dingen aan "A Complete Unknown" het herinneren of herbeleven van het gevoel toen je ze voor het eerst hoorde. De film bevat ongelooflijke acteerprestaties, maar de echte ster van de film is de muziek. Bob Dylan was daadwerkelijk een briefvriend van Johnny Cash, en heeft zijn brieven nog steeds. Zelfs 60 jaar later zijn de teksten nog even direct, diepgaand en soms grappig.
De film is in essentie een betoverend verhaal over geloof, hoop, wonderen, de pracht van het Engelse leven en de Engelse tradities. De wereldpremière vond plaats in mei 1944 in een theater in Canterbury. De titel van de film is ontleend aan "The Canterbury Tales" van Geoffrey Chaucer uit de 14e eeuw.
Het verhaal van de film is gebaseerd op Chaucer's thema van "excentrieke personages op een religieuze pelgrimstocht" en belicht de oorlogservaringen van de inwoners van Kent, en bevordert de vriendschap en het begrip tussen Britten en Amerikanen tijdens de oorlog. De film werd kort na de Baedeker-bombardementen van mei/juni 1942 opgenomen, die grote delen van het centrum van Canterbury hadden verwoest. Een groot deel van de film is opgenomen in en rond de kathedraal van Canterbury en de door bombardementen getroffen plekken van de stad, waaronder de High Street, Rose Lane en de Buttermarket. De kathedraal zelf was niet beschikbaar voor de opnames, omdat de glas-in-loodramen waren verwijderd, de ramen waren dichtgetimmerd en het orgel was opgeslagen. Dit ter bescherming tegen luchtaanvallen. De orgelmuziek moest worden gespeeld op het orgel van de kathedraal van St. Alban's, omdat het orgel in de kathedraal van Canterbury was gedemonteerd. Door slim gebruik van perspectief werden grote delen van de kathedraal in de studio nagebouwd door de latere Oscarwinnende art director Alfred Junge. Verschillende dorpen in Kent, waaronder Chilham, Wickhambreaux, Fordwich en Wingham, werden gebruikt voor scènes die het fictieve dorp Chillingbourne voorstellen. De makers van The Archers kregen geen toestemming om in de kathedraal van Canterbury te filmen. Bovendien waren de glas-in-loodramen door de luchtaanvallen verwijderd, en waren de zijbeuken gevuld met zandzakken en aarde om branden te bestrijden en om vallend metselwerk of beelden op te vangen. Daarom werd het interieur van de kathedraal nagebouwd in Denham Studio. Ze hebben het zo goed nagebootst, dat gidsen van de kathedraal mensen hebben verteld dat de film er daadwerkelijk is opgenomen. Nadat Petrus de kathedraal binnenkomt, kijkt hij omhoog naar het plafond. Dat is de enige opname die daadwerkelijk in de kathedraal is gemaakt. Hoewel de productie geen toestemming had om daar te filmen, is het ze toch gelukt om die ene opname met een handcamera te maken. De kathedraalklokken die in de openings- en slotscènes te zien zijn, waren een miniatuurreplica van de Bell Harry Tower in Canterbury, zodat de camera erlangs kon bewegen. De klokken werden geluid door klokkenluiders van de kathedraal, die met duim en wijsvinger aan de snaren trokken op de maat van een geluidsopname van de echte klokken. Daarnaast bevat de film ook een verwijzing naar de locatie van Powell's veelgeprezen speelfilm "The Edge of the World."
De film speelt zich af in augustus 1943. De première vond plaats op vrijdagavond 27 augustus. De film werd in zwart-wit opgenomen en was de eerste van twee samenwerkingen tussen Michael Powell, Emeric Pressburger en cameraman Erwin Hillier. De visuele stijl van de film is grotendeels een mengeling van Brits realisme en Hilliers Duitse expressionistische stijl, gecombineerd met een neoromantische kijk op het Engelse landschap. Het idee dat in het Engelse platteland 'het verleden het heden altijd achtervolgt', was een geaccepteerd onderdeel van de Engelse literatuur, zoals te lezen is in werken als "Puck of Pook's Hill" van Rudyard Kipling. In de jaren zestig zou dit een belangrijk thema worden voor Britse filmmakers en romanschrijvers. De Brits-Amerikaanse betrekkingen waren ook een onderwerp in de eerdere film "The Life and Death of Colonel Blimp" van Michael Powell en Emeric Pressburger, en nog gedetailleerder in hun daaropvolgende film "A Matter of Life and Death."
Dit was de eerste flop van het team van Michael Powell en Emeric Pressburger, en de film bleef jarenlang ongezien en onbereikbaar voordat hij eind jaren zeventig werd herontdekt. Pas daarna begon men zich af te vragen of Stanley Kubrick de film had gezien, alvorens hij "2001: A Space Odyssey" maakte. Dit aangezien het begin van deze film veel gelijkenissen vertoond. Zowel Kubrick als Powell hebben dit ontkend. Michael Powell en Emeric Pressburger schreven het script en verbonden de concepten landschap en geschiedenis met de persoonlijke reis van drie mensen om een basis van gemeenschappelijke identiteit te tonen. Michael Powell gebruikte het werk van Geoffrey Chaucer als inspiratie voor een film die "de liefde voor zijn geboorteplaats en alles wat hij voor Engeland voelde" liet zien.
Op 11 mei 2014 werd deze opnieuw vertoond in Chilham. Dit ter gelegenheid van de 70e verjaardag. Er werden meer dan 100 kaartjes verkocht voor de vertoning in de dorpszaal van Chilham. De volledige opbrengst ging naar het restauratiefonds voor het oorlogsmonument. De film werd eind jaren zeventig volledig gerestaureerd door het British Film Institute en de nieuwe versie werd geprezen als een meesterwerk van de Britse cinema. Op 19 september 2007 werd deze film voor het eerst vertoond in de kathedraal van Canterbury. De vertoning was een fondsenwervend evenement om de reparaties aan de kathedraal, die tijdens de Tweede Wereldoorlog door bombardementen waren beschadigd te bekostigen.
De cast is goed samengesteld. John Sweet was geen professioneel acteur, maar een sergeant in het Amerikaanse leger die tijdens de oorlog in Engeland gestationeerd was. Hij werd ontdekt door Michael Powell tijdens een tournee langs militaire bases in het stuk "Our Town" van de Amerikaanse toneelschrijver Thornton Wilder. Hij schonk zijn salaris aan de NAACP. Dit was zijn enige filmrol. Na de oorlog keerde hij terug naar het onderwijs in de Verenigde Staten en overleed in 2011 op 95-jarige leeftijd. In zijn eerste grote filmrol werd de jonge Britse rekruut Sgt. Peter Gibbs vertolkt door Dennis Price, die destijds nog vrij nieuw was in de filmwereld. Hij zou een lange carrière hebben en wordt tegenwoordig vooral herinnerd als de onverstoorbare seriemoordenaar in de Britse komedie "Kind Hearts and Coronets." Sheila Sim maakte haar filmdebuut. Haar rol ging in eerste instantie naar Deborah Kerr, maar zij was niet beschikbaar nadat ze een contract met MGM had getekend. De rol van Thomas Duckett werd vertolkt door Charles Hawtrey. De bekende komische acteur was bekend van de langlopende Carry On...-filmreeks, waarvan "Carry On Sergeant" de eerste was. Beatles-fans herkennen zijn naam wellicht van het studiogesprek van John Lennon aan het begin van het album "Let It Be" Lennon verwees waarschijnlijk naar deze acteur, en niet naar de Edwardiaanse toneelacteur, schrijver en manager Sir Charles Hawtrey, van wie de komische acteur zijn artiestennaam ontleende. Michael Powell en Emeric Pressburger waren oorspronkelijk van plan om Burgess Meredith te casten in de rol van sergeant Bob Johnson, maar veranderden van gedachten en kozen voor een onbekende acteur. Meredith fungeerde als scriptredacteur voor het personage van Johnson. Dit was de laatste film van Jane Millican, waarin ze de rol van Susanna Foster vertolkte. James Tamsitt liet zijn haar knippen om er netjes uit te zien, alvorens hij met Leonard Smith en David Todd naar Londen ging om scènes op te nemen in Denham Studio. Helaas paste zijn nieuwe kapsel niet bij de warrige haardos die hij had tijdens de opnames op locatie. Zodoende moest hij een pruik dragen.
Componist Allan Gray hergebruikte een deel van de muziek uit "The Life and Death of Colonel Blimp." De kenmerkende jazztrompetmelodie die in deze film te horen is tijdens de scène met de koerier aan het begin van de film, wordt nu op de achtergrond gebruikt in de scène in de herberg Hand of Glory. Deze film en "Mrs. Miniver" eindigen beide met het spelen van "Onward Christian Soldiers" tijdens een kerkdienst. Voor de naoorlogse Amerikaanse release dwong de studio Michael Powell de film volledig opnieuw te monteren. Er werd meer dan twintig minuten uitgeknipt om de film korter en sneller te maken. Er werd een voice-over van Raymond Massey toegevoegd en er werden openingsscènes gefilmd, waarin Kim Hunter als de vriendin van sergeant Johnson werd geïntroduceerd om de film een eigentijdser karakter te geven. Ten tijde van de opnames waren Hunter en Massey bezig met de voorbereidingen voor de opnames van "A Matter of Life and Death." Powell filmde Hunter's scènes met John Sweet op een Engelse set die New York nabootste. Het inmiddels getrouwde stel presenteerde de film als een flashback, vergelijkbaar met de openingen van "The Way to the Stars" en "Twelve o'Clock High." Sweet werd in werkelijkheid in New York gefilmd, waarbij de scènes werden gecombineerd.
De film bevat ook een zwarte rand. Margaret Mitchell was met haar man op weg naar een vertoning van deze film, en werd aangereden door een auto die veel te hard reed. Ze raakte bewusteloos en overleed vijf dagen later. Ze was vooral bekend als auteur van "Gone with the Wind." Als je een liefhebber bent van rustige films, dan is dit zeker een aanrader.
Geïnspireerd door "The Breed" van Wes Craven. Hayden Panettiere speelde eerder een hoofdrol in "Scream 4" van de regisseur. Grace Caroline Currey en Virginia Gardner waren eerder samen te zien in "Fall."
In eerste instantie lijkt het alsof de film zich wil pretenderen als een serieuze horrorfilm, maar gaandeweg wordt het alleen maar lachwekkend. Het was onvermijdelijk dat "Cujo" ook even op de hak werd genomen. De CGI was om te huilen en had zomaar een productie van The Asylum kunnen zijn.
De films "Hauru no Ugoku Shiro" en "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" waren een inspiratiebron voor regisseur Kogonada om deze romantische film van de grond te krijgen. Het scenario werd opgenomen in de Black List van 2020. Het jaarlijkse brancheonderzoek brengt veelbelovende, maar nog niet verfilmde scenario's onder de aandacht. De film markeert Joe Hisaishi's eerste filmmuziek voor een Hollywoodstudio. Voorheen werkte hij decennialang in de Japanse cinema.
Het verhaal volgt de personages van Colin Farrell en Margot Robbie, die tijdens een fantasy-roadtrip geconfronteerd worden met hun verleden. Farrell en Robbie schelen ongeveer 14 jaar in leeftijd, en bleken op de set ook goed met elkaar door één deur te kunnen. Zo gaf Farrell te kennen dat hij tijdens de opnames regelmatig broodjes maakte voor de destijds zwangere Robbie, en deze voor haar in de koelkast legde voor de volgende dag. De muzikale scènes bezorgden hen echter een ongemakkelijk en angstig gevoel, nadat ze deze hadden bekeken. Verdere rollen zijn weggelegd voor Lily Rabe (Sarah's moeder) en Hamish Linklater (David's vader), die in het echte leven met elkaar zijn getrouwd.
De film is visueel indrukwekkend en volgt een uniek uitgangspunt. De personages van Farrell en Robbie navigeren door hun verleden op basis van magische deuren. De cinematografie en melancholische muziek creëren een dromerige sfeer. Het trage tempo komt het verhaal echter niet ten goede. De "reis" voelt meer aan als een reeks van losse en stille fragmenten, dan als een samenhangend verhaal. Mocht je hier doorheen kijken, dan zal deze film voor een selectieve doelgroep zijn weggelegd.
Als je een liefhebber bent van Italiaanse westerns, dan is deze film het bekijken waard. Ondanks de hoeveelheid mascara die Claudio Camaso gebruikte. Leuk detail: Zijn opsporingsposter werd één jaar later gebruikt voor "II Grande Zilencio."
Deze documentaire bevat o.a. een korte opname van Samantha Morton in de film "Minority Report" tijdens een flashback, en twee korte scènes uit "Children of Men."
De film schetst een vooruitziende en huiveringwekkende visie op hoe onze toekomst er over ongeveer 50 jaar uit zou kunnen zien. Dit op basis van een mix aan archiefbeelden uit het echte leven en grimmige beelden van een autoritaire toekomst. Het laat op bepaalde momenten zien hoe kwetsbaar onze vrijheden zijn geworden. Soms vond ik het wel wat te ver gezocht.
Alternatieve titel: 2018: Everyone Is a Hero, 25 mei, 17:46 uur
Tijdens de overstromingen in Kerala in 2018, boden diverse individuen en organisaties hulp. Een opvallend voorbeeld was een groep vissers, die bedreven zijn in het bevaren van ruw water. Zij ontpopten zich tot helden door met hun boten gestrande mensen te redden en hulpgoederen naar afgelegen gebieden te brengen. Hun onbaatzuchtige inzet leverde hen de bijnaam "Kerala's Own Navy" op en toonde de kracht van gemeenschapszin in tijden van crisis.
Dit was de officiële inzending van India voor de categorie "Beste internationale speelfilm" tijdens de 96e Academy Awards in 2024.
Deze film schetst een realistisch beeld van de menselijkheid die nog bestaat. Mooi en meeslepend.
De eerste helft van de film was nog wel te pruimen, maar de tweede helft stort volledig in elkaar. Er was met name een gebrek aan dialogen en weinig spanning.
Het speelfilmdebuut van Helene Egelund en Per Morberg.
Wellicht heeft de film een traag tempo, maar past het tegelijkertijd bij het verhaal wat wordt verteld. De Zweedse bevolking werd uitgenodigd om korte beschrijvingen van hun eigen ervaringen tijdens de oorlog in te sturen. De gebeurtenissen in de film zijn gebaseerd op deze verhalen.
De film heeft zo zijn momenten. Het was echter een enorme misstap om het verhaal in hoofdstukken te verdelen, en het vanuit het oogpunt van meerdere personages mee te maken. Wellicht was de film als found footage beter tot z'n recht gekomen.
Een matige film met een vrij voorspelbaar verhaal. Het gemakzuchtig geschreven scenario pakt averechts uit, omdat de focus zich naar de wraak verschuift. De acteerprestaties zijn nog te pruimen, maar daar houdt het ook wel mee op.
Na "Bhaag Milkha Bhaag" speelt Farhan Akhtar opnieuw een legerofficier in deze verfilming van de Chinees-Indiase Oorlog van 1962.
Ondanks het indrukwekkende verhaal, bevat de film wat kritische kanttekeningen. Sommige gevechtsscènes voelen kunstmatig en geënsceneerd aan. Onnodige liedjes verstoren de immersie en het tempo van de film. Daarnaast lopen Chinese soldaten richting de Indiase posities, alsof ze een ontspannen wandeling maken. Gelukkig weet de film nog stand te houden op basis van een goede choreografie.
Gebaseerd op de graphic novel van Isabel Greenberg. Het verhaal is een bewerking van het Oosterse sprookje "One Thousand and One Nights: the story of Scheherazade."
Een matige film met een gebrekkige montage. Dit terwijl de acteerprestaties, kostuums en het decor dan wel weer goed uitpakken. Toch ontbreekt het aan samenhang en de nodige chemie.
De film speelt zich af in het kleine geboortestadje Sysmä van regisseur Teemu Nikki. Ondanks het feit dat hij er decennia eerder was vertrokken, vertelde hij nog steeds "wilde verhalen" over het stadje. Zijn familie bestond uit Sahti-bierbrouwers.
Oorspronkelijk had Nikki mannelijke hoofdpersonages in gedachten, maar een toneelstuk van Elina Knihtilä en Pirjo Lonka bracht hier verandering in. Volgens Nikki eisen ze respect en zijn ze stoer, maar hebben ze tegelijkertijd een donkere kant. De regisseur schreef doorgaans rollen met specifieke acteurs in gedachten, maar wist de dames al vóór de productie aan boord te krijgen. Het duurde ongeveer anderhalf jaar om het script te schrijven.
Voor de Italiaanse première verscheepten de filmmakers twintig liter ongefermenteerd Sahti-bier naar Rome, waar ze het vervolgens in de Finse ambassade brouwden om het te serveren en "aan de hele wereld voor de stellen." Producent Jani Pösö kwam te laat voor de persconferentie, omdat hij een koffer voor de Sahti aan het kopen was. "100 Litraa Sahtia" was de officiële inzending van Finland voor de categorie 'Beste internationale speelfilm' bij de 98e Academy Awards in 2026.
Alternatieve titel: Wall to Wall, 7 mei, 23:56 uur
Een redelijke film met een gecompliceerd verhaal.
Wat begint als een psychologische thriller, verandert vervolgens in een samenzwering. Hiermee verliest de film zijn impact, die in de eerste helft juist zorgvuldig werd opgebouwd. Het fundament begint vervolgens langzaam af te brokkelen. De acteerprestaties maken gelukkig veel goed.
Gebaseerd op de eigen ervaringen van regisseur Cesc Gay. Dit was tevens zijn zesde samenwerking met Javier Cámara.
Een opvallend detail is dat het personage van Alexandra Jiménez tegen het publiek spreekt. In een interview onthulde de actrice dat ze aanvankelijk botste met Cesc Gay over de momenten waarop haar personage deze vierde muur doorbreekt. Jiménez probeerde de dialoog zo natuurlijk mogelijk te laten klinken, maar Gay wilde het juist zo kunstmatig mogelijk laten klinken. Achteraf gezien was het beter geweest om dit gewoon weg te laten.
Grote gezinnen kunnen zich ongetwijfeld met deze film identificeren. Sommige dialogen waren best wel onderhoudend en grappig.
Het speelfilmdebuut van R.T. Thorne. Samen met Glenn Taylor en Lora Campbell was dit tevens zijn debuut als scenarioschrijver.
Hoewel het Canadese distributiebedrijf Mongrel Media deze film een bredere release gaf, werd er om de een of andere reden zeer weinig in de marketing geïnvesteerd. Het gevolg was dat de film het slecht deed, en na de tweede week uit vrijwel alle bioscopen werd gehaald. De kannibalen worden aangeduid met W. Dit is waarschijnlijk een verwijzing naar het Algonquische mythologische wezen genaamd de wendigo. De wendigo zou bezit kunnen nemen van mensen en de slachtoffers een onverzadigbaar hongergevoel bezorgen. Met name een sterke drang om andere mensen op te eten.
Een aardige film met een diepgaand concept. De sfeer is duister en het hoofdpersonage behandelt haar gezin als een peloton.
Ruim 18 jaar na "28 Weeks Later" keren Danny Boyle en Alex Garland terug. Hier bleef het niet bij, want tijdens de release werd "28 Years Later: The Bone Temple" al opgenomen. Oorspronkelijk zou dit derde deel "28 Months Later" heten, waarmee het thema van de tijdlijn in de titel van de film zou worden voortgezet. Echter werd het passender geacht om na 18 jaar de titel "28 Years Later" toe te passen. Toch waren er al eerder plannen om vrijwel direct na "28 Weeks Later" het derde deel "28 Months Later" uit te brengen. Na "28 Days Later" werden de rechten bevroren, en kwam het project jarenlang niet van de grond. In 2019 werden Boyle en Garland herenigt, en kon de productie in 2023 van start gaan. In 2024 werd het tempo opgevoerd met dank aan producent Andrew Macdonald. Hij kocht de rechten van de eerste film terug, die hij vervolgens aan Sony Pictures verkocht onder voorwaarde dat zij de sequels zouden financieren. Hoewel Garland van Boyle de mogelijkheid kreeg om de film te regisseren, wilde Garland zich na "Civil War" en "Warfare" concentreren op het schrijven.
Garland schreef oorspronkelijk een scenario voor "28 Months Later", waarin het ragevirus door een militaire macht als wapen werd ingezet. Dit zette een team van Chinese speciale eenheden ertoe aan om het oorspronkelijke laboratorium te zoeken waar het virus was ontwikkeld, met als doel een vaccin te creëren. Hoewel Boyle het script goed vond, was hij van mening dat het een te conventioneel horrorfilmcliché was. Vergelijkbaar met de "Alien" en "Resident Evil" franchises. Garland herschreef het concept tot een trilogie van scenario's. Voor Boyle was dit meer origineler en ambitieuzer. Dit derde deel speelt zich af in 2030. Garland gaf volmondig toe dat het plot van de film sterk beïnvloed is door "Kes." Deze film gaat over een tienerjongen die thuis genegeerd en mishandeld wordt door zijn onverschillige moeder en oudere broer. Hij besteedt zijn tijd aan het trainen van zijn huisdier Kes. Garland stelde dat dit "een zeer onverwachte inspiratiebron is voor een zombiefilm." Voor Boyle was dit zijn eerste vervolgfilm sinds "T2 Trainspotting."
De kijkers worden getrakteerd op een nieuwe cast. Dit ondanks het feit dat sommige acteurs en actrices uit de voorgaande twee delen graag wilden terugkeren. Cillian Murphy overleefde de gebeurtenissen in het eerste deel, en wilde graag met Boyle en Garland samenwerken. Ondanks dat de acteur niet in dit derde deel verschijnt, werd hij aangesteld als een uitvoerend producent. In de trailer verscheen een uitgemergelde zombie die verdacht veel op Murphy leek. De speculatie onder fans werd snel de kop ingedrukt, nadat kunsthandelaar Angus Neill bevestigde dat hij in de film was gecast en de rol van de uitgemergelde zombie vertolkte. Boyle werd er al eerder op gewezen door zijn vriendin, maar negeerde haar waarschuwing en bood later zijn excuses aan. Het personage van Murphy verschijnt later in "28 Years Later: The Bone Temple." Ook Imogen Poots gaf aan interesse te hebben in de film. De actrice speelde de rol van Tammy in "28 Weeks Later." Mede dankzij dit vervolg kwam de actrice al op jonge leeftijd in aanraking met acteren, en bleek een groot liefhebster te zijn van deze sequel. Voor Jack O'Connell was dit zijn derde horrorfilm na "Eden Lake" en "Sinners." Tijdens de opnames raakten Ralph Fiennes en Chi Lewis-Parry goed bevriend en gingen geregeld samen naar de sportschool. Lewis-Parry was al een langere tijd fan van Fiennes, en deelde zijn herinneringen met de acteur op de set van "28 Years Later." Dit bracht hen dichter bij elkaar. Chi Lewis-Perry is een voormalig professioneel MMA-vechter met een winst-verliesbalans van 9-2. Zijn laatste weging in 2020 was 244 pond bij een lengte van twee meter. Jodie Comer wilde altijd al graag in een film van Danny Boyle spelen, en greep de hoofdrol met beide handen aan.
Een van de pluspunten in deze film, is het schitterende landschap met de wereldberoemde Sycamore Gap-boom, die een digitale reconstructie betreffen aangezien de echte boom in 2023 illegaal werd gekapt. De zogenaamde Robin Hood-boom was een 120 jaar oude plataan naast de Muur van Hadrianus, vlakbij Crag Lough in Northumberland, Engeland. De boom stond in een dramatische kuil in het landschap, en was een van de meest gefotografeerde bomen van het land en stond symbool voor Noordoost-Engeland. Zijn bijnaam was afgeleid van het feit dat de boom prominent te zien is in de film "Robin Hood: Prince of Thieves." De Muur van Hadrianus werd gebouwd door het Romeinse Rijk als verdedigingswerk voor de Romeinse provincie Britannia, die de zuidelijke helft van het eiland Groot-Brittannië omvatte. De Muur van Hadrianus is prominent aanwezig geweest in de films "King Arthur", en diende mede als inspiratie voor de Muur in "Game of Thrones." In de vroege ochtenduren van 28 september 2023 werd de boom illegaal gekapt. De politie van Northumberland onderzocht de zaak als een geval van openbare vandalisme. Twee mannen uit Cumbria werden in oktober 2023 gearresteerd, en in april 2024 aangeklaagd voor het beschadigen van zowel de boom als de muur. Ze hadden met hun mobiele telefoon de kap gefilmd, en een stuk hout als trofee meegenomen. Op 15 juli 2025 werden beide mannen schuldig bevonden aan alle aanklachten, en kregen een gevangenisstraf van 4 jaar en 3 maanden met een boete van 700.000 Pond. De tempelconstructie van beenderen werd van ongeveer 5.500 schedels en 150.000 botten gemaakt. De spoorwegscènes werden gefilmd op de Embsay & Bolton Abbey Steam Railway in Yorkshire, Engeland. De locomotief 31452 van de Class 31 werd speciaal voor deze film gebruikt. De film maakt daarnaast gebruik van beelden uit zijn voorganger "28 Weeks Later" en "The Chronicle History of King Henry the Fift with His Battell Fought at Agincourt in France."
De eerste trailer werd binnen 24 uur in totaal 60 miljoen keer online bekeken. Zowel de films als trailer bevatten een opvallende opname van het gedicht "Boots" van Rudyard Kipling, voorgelezen door acteur Taylor Holmes in 1915. Het repetitieve ritme van het gedicht verbeeldt de mars van Britse soldaten tijdens de Boerenoorlog. Deze opname van het gedicht werd door het Amerikaanse leger gebruikt om de psychologische nood van gevangenschap te simuleren. Ook het lied "Abide with Me" wat in "28 Days Later" op de achtergrond te horen was, maakt opnieuw zijn opwachting. Voor de opnames werden diverse camera's en lenzen gebruikt, waaronder de iPhone 16 Pro die met professionele lenzen waren aangepast. Hierdoor kon de crew een minimale ecologische voetafdruk achterlaten op de set in het Engelse platteland. De geslachtsdelen werden gesimuleerd met behulp van fotorealistische protheses. Dit was nodig omdat Alfie Williams pas 13 jaar was, waardoor alle afbeeldingen van volledige naaktheid om juridische redenen gesimuleerd moesten worden. Boyle gaf later toe spijt te hebben dat hij de Alphas naakt heeft laten verschijnen, omdat hij de helft van de gewenste shots niet kon gebruiken omdat ze te expliciet waren. Zowel Alfie Williams als Aaron Taylor-Johnson leerden boogschieten voor de film.
Mijn grootse probleem met dit derde deel, is het matige script."28 Weeks Later" laat richting het einde zien hoe het virus zich naar Parijs verspreid. Boyle gaf te kennen dat er niets mis was met dit vervolg, maar dat hij voor zijn eigen vervolg dat einde negeerde om Groot-Brittannië de enige plek te maken waar het virus nog actief is. Garland gaf te kennen dat Parijs waarschijnlijk kort na de aankomst van het virus de geïnfecteerden met kernwapens had gebombardeerd, waardoor de verspreiding van het virus naar het Europese vasteland een halt werd toegeroepen.De eerste helft van de film blijft trouw aan de voorgaande delen, maar ontwikkelt zich gaandeweg naar een melodramatisch menselijk drama. Ik denk dat het oorspronkelijke scenario van Garland meer tot zijn recht was gekomen, en Boyle had moesten vasthouden aan dit idee.
Kortom: Technisch sterk, maar wel een zwak script.
